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0312 李华生 山水 镜心

山水
拍品信息
LOT号 0312 作品名称 李华生 山水 镜心
作者 李华生 尺寸 143×117cm 创作年代 --
估价 500,000-700,000 成交价 RMB 616,000
材质 设色纸本 形制 镜心

款识：李华生。
印文：华
李华生 LI HUASHENG
年表：
1944年生于四川宜宾。
1981年参加中国美术馆“十人中国画展”。
1983-1985年“当代中国画展：来自中华人民共和国的展览”（美国各著名美术馆）
1987年个展五次（美国哈佛、耶鲁、密西根、华盛顿大学博物馆、底特律博物馆）
1990-1992年个展五次（新加坡博物馆、香港大会堂、台湾）
1995年“传统与创新——20世纪中国绘画巡回展”（中国香港、新加坡、美国、德国）
1995-1998年个展三次（美国旧金山中华文化中心、香港）
1999年参加四川美术学院“互动时代的文化方位”画展、成都现代美术馆“世纪之门”中国艺术邀请展
2001年参加广东美术馆“中国·水墨实验1980-2001”画展。
2002年参加广州艺术博物馆“首届中国艺术3年展”。
2003年参加北京“开放的时代-中国美术馆建馆40周年邀请展”；北京、纽约“中国极多主义”画展；北京、东京艺术工程“念珠与笔触”展。
2004年参加深圳“第四届国际水墨双年展”
2005年“中韩当代水墨画展”（韩国首尔） ；“墨和纸：中国当代艺术展”（广东美术馆、德国魏玛康斯萨勒展览馆）
作品被中国美术馆、上海美术馆、广东美术馆、美国哈佛、耶鲁、华盛顿、密西根大学博物馆和底特律博物馆，英国大英博物馆等机构收藏。
对于李华生抽象画时期的作品，我的理解是：李华生放弃山水写意的所谓表现，是要返回人生对于时间的体验，而不仅仅是寻找一种抽象抽象形式以寄居个体。在一种不厌其烦的重复性绘制中，不仅笔墨工夫丧失了写意的可能性，而且面临着失去意义的难题。正是这样一种包含着质疑与追问的工作过程，让人经历体力、心力、精力的考验，让时间作为生命过程真正浮现出来，成为对于个体生命终极意义即对于虚无的描绘。……李华生创作的意义可以浓缩在他自己说的一句话里：我的感觉是难受，可心甘情愿地是一种自由。
——王林
艺术的苦行僧
——李华生访谈（箫岭）
箫：你什么时候开始画这样的画？或者可以说，你的起源在哪里？
李：这是一个漫长而痛苦的过程，我最初是画风景的，准确地说是明清时期的风景，也就是宋以后的那种风景画儿。过去我一天能画十到二十张，现在一张画儿就要画上十多天，一点清水，没有墨，在纸面上机械地重复，看上去很黑，可干了之后却什么都没有，到最后连眼睛都看出毛病来了……这才是基本功。我创作的过程也就是消解的过程，用浓重的墨去消解形，在我看来墨更为深沉厚重。我的观点是宋画最好，宋以前中国画还在不断积累和发展，不够成熟，到宋代达到顶峰。宋代画家不求名利，连落款都没有，这简直就是一种高贵洒脱的气节，可后来却慢慢衰落了，一代不如一代，宋人的画后人只能望其项背，无法超越和企及，这犹如向上抛出一个东西，当它达到最高点后，自然就会下落。与其步古人后尘，不如杀出一条自己的血路，我抛弃了中国传统的晕染法，这使我痛苦了相当长一段时间，完全靠线来表达，而且这些线并无太多变化。刚开始进行实验的时候，感觉很朦胧，但我不需要朦胧的画面效果，于是我把线条抽离出来，但效果又太抢眼，太跳，不舒服，没落实到画面上，后来我改用小笔在大纸上点头发丝儿一样细的点线，把大面积的白色给破解了，这在传统观念里是错误的做法，但我毅然绝然地做了，目的就是要解决中国传统画里白色的问题。关于我的作品“1999·5—1999·7”，那是很早的一张画儿，最初的想法是：每天起来就填格子，填你当时想到的随便什么东西，其实那仍然是形象思维，类似于记日记，记你能想到的任何事情，非常虚无，很多人都喜欢这幅作品，但我觉得还不够理想，还没达到“虚无”的真境界。我总在画面上克制很多东西那是因为我生活得太自由，艺术与生活不一样，艺术要表达另外一种艰难；艺术要寻求与生活的反差。经年累月地、苦行僧似地重复，就象数珠念经，虔诚地奉献出整个身心，追求致纯致真的境界，这是我的艺术理想，至少我是这样去要求自己的，也是这样去做的。
箫：你的作品有自己的结构，自己的组织，可以说有一种‘理性’的结构。那么你周密的组织和你的感情怎么协调？那“偶然性”呢？
李：没有！每一笔都是必然和理智，不激动、不张扬、不浮澡，一天，两天，三天……一直画下去，实在坚持不住了，便停下来进行一些自我调整，然后再继续，但前后的思路必须一致，情绪在这段时间不能有任何波动，要气定神闲。
箫：对，可你画画儿的时候已经不自由了。你认为这种画法是为了找到一个目标吗，为什么？你绘画的时候觉得是自我折磨，或者自我帮助，或就是一种训练？
李：我按自己的愿望去自我限制、自我折磨！我有自己的目标，我的感觉是受难，可心甘情愿地受难也是一种自由。我需要受难，欢乐已成过去，以前我很不自由生活也很清苦，可我总是画充满欢乐的画；现在我自由了生活也好了许多，可却要在艺术上受苦受难，艺术总是寻求与生活的反差，我还没尝试过在艺术上经受酷刑，尝试之后感觉不错，吃苦嘛就象牛吃草，吃的是草挤出来的是牛奶。我画画是修行，是内心的励炼，自我修炼对公众而言没有意义，对美术史是否有意义，我不得而知，这需要历史来评判。但我始终没有摆脱要“做一个作品”的愿望，有时内心的感触十分微妙，但我必须把这种触动给画出来。
箫：你的画里面，有时候你的组织结构是直接用毛笔勾画的，有时又用颜色切割出来的，比如那些黑底白线的网状画面。请你谈谈这个差别。
李：黑白是过去学篆刻的关系，篆刻讲济朱当白，就是说你刻下去的痕迹是白的，留下的是红的。我在做“白”的时候，想的是“黑”；做“黑”的时候，想的是“白”。画“黑”相对简单，一笔就过去了，做白呢就要苦思溟想，考虑怎么样留出来——这就是修炼，很费时间。何况每个格子都风格炯异，这个格子有书法意味；另一格子有篆刻意味，这怎么可能一样呢？！但都在寻找和谐相处的关系，这儿太方了，那儿太跳了，如果一个细节没处理好，全部格局都得重新调整，难啊！其实，画有些画，犹如在沙漠里行走，怎么生存下来是个问题，咬牙坚持还是中途放弃？放弃当然意味着死路一条，坚持也并非就意味着生机，但至少怀有希望。所以我给画取名都用“几月几号”，就是为了证明这段时间内所受的煎熬——我还在沙漠里艰难前行，我没有倒下！我的画儿现在功力还不够，到什么时候？等我出家了，到深山古刹里清静无为地画画，或许会画得更好。我的作品是想让人只看到“一根线”，可走的线太多了，结果人家找不到那根线了，整个（画面）超乎了人的承受力，反而没有最初“一根线”的感觉了。
箫：你参加了一个叫‘中国极多主义’的展览，你同意你是‘极多主义画家’吗？　　李：这是批评家的界定与我无关，包括你怎么评价我以及我的作品。但我有自己内心的规定，达到了，就满意；达不到，就撕掉，外人深感惋惜，好好的为什么撕掉了？因为外人根本不知道我内心的准则。我有位朋友很有钱，收藏了我的很多画，他犹为喜爱其中一幅，我问为什么？他说画面有音乐感、有节奏，而这些正是我要努力去消解的东西。所以，我个人内心的体验很难与外人沟通，很多朋友在我尝试创新与转型之初，纷纷劝我不要冒险，理由是知音难觅、曲高和寡，但艺术是不可能“雅俗共赏”的，雅是雅，俗是俗，听古曲的人本来就没几个。（节选）